STUDIO ONE KINGS

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gouache on pallet, 120 x 120 cm, 2015

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From Paris to New York

PAR MAGALI LESAUVAGE

PARIS ART/CRITIQUE

FROM PARIS TO NEW YORK

Explorant toujours les rapports complexes entre peinture et photographie, l’Espace Carte blanche expose les œuvres de l’artiste italien Riccardo Pocci, qui peint sur du papier, de la toile ou des palettes de chantier des architectures mates et strictement soumises à la grille architectonique.

Par Magali Lesauvage

Riccardo Pocci est peintre, mais peut-être est-il avant tout photographe. Ses images d’architectures, ici celles de New York et Paris, parlent de l’œil photographique, mais usent des moyens d’une peinture subtile pour renforcer l’impression de réel : l’artiste a conservé de sa formation de graphiste une pratique extensive du détail et de la précision du dessin.

De la ville de New York, Riccardo Pocci retient la structure orthogonale, l’obsédante rigidité des lignes, dont il amenuise la sévérité par l’irruption dans le champ de l’image d’une silhouette végétale noire, laissée en réserve. Dans Y (2008), à la géométrie blanche de la façade occultante d’un immeuble correspond la symétrie d’un arbre dénudé, comme si la nature imitait l’art.

Dans les deux Greenwich Suite (2007), l’usage d’une fine couche picturale de gouache rappelle la matité de la peinture a tempera des fresques anciennes. Riccardo Pocci peint la ville sur du papier noir marouflé sur toile, ce qui donne un aspect minéral aux architectures comme aux ciels : dans W (2007), le massif building de verre ne semble pas plus solide que le morceau de ciel bleu qui le borde. On pense là aux ciels de Giotto, à ces bleus denses et tangibles des Primitifs italiens, notamment dans Breve Viaggio (2005), variation à l’huile sur le dialogue entre le bleu et le blanc, l’immensité et la grille.

Poursuivant sa quête de la structure, Riccardo Pocci a choisi pour peindre Paris d’utiliser des palettes de chantier, disposées en largeur. La perception est troublée par le séquençage latéral de l’image et demande au spectateur de reconstituer mentalement l’intégrité de la forme, le sujet étant vu comme à travers des stores vénitiens.
L’artiste frôle ainsi l’abstraction lorsqu’il représente la façade du Ministère de la Culture au 182, rue Saint-Honoré, où les architectes Francis Soler et Frédéric Druot ont plaqué en 2004 une enveloppe de métal ajouré aux motifs Art Nouveau, formant sur la toile La Monnaie ou la culture ? (2008) une trame noire et blanche solarisée.

Sur ces palettes, Riccardo Pocci représente les lieux incontournables de la capitale, notamment le Louvre, dans une vue frontale et grisée d’un pavillon vu à travers deux grilles successives, celle de la pyramide de la place du Carrousel, puis celle du support, la palette, ou encore, reprenant un motif historique de la peinture, cher à Monet, une vue intérieure de la gare Saint-Lazare (Saint-Lazare off, 2008). L’artiste y déstructure l’architecture, la fragmente, pour n’en faire plus qu’un motif.

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BRUS*H*YOUR*SEL*F

CARLA BARAGATTI

CATALOGO BRUS(H)(YOUR)SEL(F)

BRUSHYOURSELF

A bare picture. Pure and free from all other superfluous detail in order to determine a unique origin. A picture that for Riccardo Pocci, a Tuscan artist adopted by all the world, is effectively a sacrificial lamb to be sacrificed on the altar of a painting; a simple but premeditated deed that leads to overcome what is perceived and brings back to the essence of conscience. Taking the colour away, removing the greyscale to allow us to see the essential frame. He goes on eliminating with his hand that seems humble but which, on the contrary, reveals the outrageous ambition to unveil the secret of reality even if it is deceptive. For Pocci, giving life to graph paper, the soul of representation, is equivalent to bowing without ever glancing down to that reality which is considered “ the mistress of perspective and of western drawing”.

The artist does not want to follow precisely the rules of the perspective because the right of speech is given only to material, mass and volume and the simple materials used are those built by man a long time ago. However in the representation brought back to its primitive essence man is absent. Absence. The loss of colour. The loss of his father. Something has changed forever. In these last months Riccardo’s soul has been scratched as if by sandpaper. Absence. The absence of the man. The absence of that heartbeat. The absence of life. Black trees.

Brush yourself means restoring the roots through the cleaning of what is useless and misleading. They are roots without earth, a city which is not a place but his consciousness and he expresses this in the rigorous opposition of light and darkness. Brush off means to ignore, to take no notice of something and a brush can be a paintbrush, a brushstroke or a broom. It is not by accident that the city in question – the protagonist of an iconic style that refers to further iconic styles, past cycles but already in the future – is Bruxelles. A represented Europe but without any real references and characters. Bruxelles is Brussels, it is “brush yourself” and it is therefore the opportunity to talk about the contemporary world and reaffirm its bewilderment.

Bewilderment in front of something known but at the same time alien. Bewilderment in perceiving a reality, fragmented in the unreal discontinuity of the pallets, which deceives the eye to then bring it back to the substance freed from appearance. And this is also thanks to the graphic language that woes the cartoon and then becomes illustration. Paper, canvas, pallets, oils, inks, gouache and black canvas paper. Pocci is untirable in his continuous experimentation of techniques and of materials, a turbine of solutions, incomplete but perfect in their imperfection which gives them his special touch of originality.

Neverending city

LORENZO CANOVA

CATALOGUE OF DE:COSTRUZIONE

NEVERENDING CITY

Art, today, still has the duty to go beyond the deception of appearances and reveal the secrets of everyday life, the mystery of landscapes and places of our daily routine. Thus, painting can still be a “medium” able to give us a new awareness of the place we live in and of the surrounding artificial nature. Painting is the instrument which enables us to understand the mechanisms of our metropolis; cities made up of suburbs sharing the same “global” features, of glass and steel buildings, and of large department stores. In this sense, the painting of Riccardo Pocci could represent the imaginary indepth-analysis of our cities, an instrument through which the artist digs into the appearances to seize the nervous system of skyscapers and districts. This is done through rigorous and analytic work and images where connectors, bars and steel junctions seem to refer to a lying body widespread in the urban vastness, and rebuildable only through a boundless mosaic of iconic fragments.
Riccardo Pocci’s pictures follow the delicate profiles of edifices which seem to converse with the sky and its light. These profiles multiply in the junctions and in the system of urban structures. They melt into splashes and fluxes of colours which describe and reconstruct the large iron and glass vaults of the railway stations. They vanish in the deceptive blue-tinted reflection of skyscraper window panes.
The artist’s brush has a mysterious quality of metamorphosis because it is able to transform its expressive features according to the different subjects of its poetic themes. It succeeds in transforming the gloomy places into swift spaces gifted with lightness. In fact, the painter’s touch sometimes hits the targets like an arrow and other times portrays buildings with a more plastic “solemnity” founded on the chromatic relationship based on evocative “correspondences” of the blue colour.
Therefore, Pocci’s pictures have two possible interpretations. One, more evident, is based on the relationship between buildings and the environment, between physical space and planned built up space. The other is based on the mysterious analogy which binds man to his architecture and the human figure to its single part.
As a result, the painter’s iconography seems to be suspended between the almost obsolete presence of an industrial world, of an ancient time dominated by metal and concrete, and a post-industrial vision where the city centre seems to lose its importance in front of a “net” of physical and virtual suburbs of which Pocci’s images appear as a possible metaphor. This way, the author’s painting succeeds in mysteriously evocating a sense of physical and conceptual levity, even though it is based on an “heavy” industrial imagery, on the description of a world dominated by steel and cast iron, and on the description of territories crossed by the metallic fragments of fabrications like the veins, arteries and capillaries of our artificial circulatory system.
Riccardo Pocci’s vision is therefore able to interchange the recognizable figurative elements with a refined sense of “fiction” in an exquisite “pictorial game” in which the sense of unreality is conceived to play with the dynamics of perception, challenging the eye to perceive the elements which are fundamental to the perception of reality.
The artist’s painting is played on a parallel and almost antithetic vision centred on metropolitan iconography, where the author’s soul seems to be split. On the one hand, the watercolourist stands, who joins the calligraphic subtleties to the age-long tradition of landscape painting and the painting of “journeys”. On the other hand, the “colder” painter stands who, in his production, considers and restyles photography, hyper-realism and the European “New figuration” of the 1960s and 1970s, without neglecting Pop Art, even though he finds a personal balance and expressive formula. Pocci’s watercolours, in fact, are characterized by the liquid conception of chromatic commotion where the tones and colours blend, they vibrate and with a nearly oriental levity, with the contact of water, bloom like mineral flowers to be finally impressed on the paper. His oil painting instead, is often rationally planned in a monochromatic way. In this conception, what he borrows from the artistic repertoire converse with the artist’s desire to document a feeling or a memory. The expanded detail gathers the silent strength of a faraway shadow; sometimes with particular attention to the realistic quality of the figurative result, in a complex vision where the representative codes converse with photography. To all this richness, the artist, through the symbolic strength of a single fragment, adds the density of a compressed moment from memory.
Through the instruments of painting, Pocci works on the essence of the contemporary city, he investigates the environment which receives our physical and mental existence and constantly reflects upon the relations between our habitat and our perception, upon the capacity of the art of proposing a renewing vision of the connections between man and his biological and technological extensions inside the contemporary metropolis.

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Johann A.G. Baloghy interviews

02/10/2011

J.A. BALOGHY

ARTIS DIVERSIS

INTERVIEW FOR ARTIS DIVERSIS

R. Pocci widerspiegelt seine Landesliebe und Traditionsbewusstsein, J.A.G. Baloghy sammelt und interpretiert seine Impressionen, A. Rinehart begleitet festlich die Künstler mit italienischer Musik aus der 16. Jahrhundert.

von Johann A.G. Baloghy
Riccardo Pocci widmet diesmal seine präsentierten Werke der Stadt Mailand der immer ein Symbol für “Risorgimento” und demokratischen Ideale war und nahezu in eine unveränderte nationale und politische Dynamik pulsiert. Er beginnt mit dem Reiterdenkmal Missori als Symbolfigur für den 150. Jahrestag der Einigung Italiens. Wenn man von Zivilcourage in der Kunst sprechen kann, dann besitzt Riccardo Pocci diesen Tugend kombiniert mit dem starken Gefühl der Landesliebe, Traditionsbewusstsein und bürgerliches Pflichtbewusstsein. Mit Motiven aus den Spuren der Geschichte Italiens, im Kontrast mit der Gegenwart, dokumentiert und kontextualisiert der toskanische Künstler die Tradition mit neuen kritischen Sichtweisen und neue künstlerische Sprachkomponente.

Mit einer extrem verfeinerten Affinität und perfekte Beherrschung der klassischen Guitarre spielt Alan Rinehart italienische Lauten Musik aus der 16. Jahrhundert von Spinacino, Dalza, Francesco Canova da Milano, Alberto Da Ripa, Capirola, Barbetta, Borrono, Terzi und Molinaro.

Johann A.G. Baloghy präsentiert seine Impressionen und Interpretationen, in Fotografiken umgewandelt, mit der Absicht das Wesentliche aus den gewählten Themen unter Berücksichtigung von kanonischen Regeln der Kompositionstheorie zu betonen und diese in Sequenzen zu wiedergeben.

INTERVIEW: Johann A.G. Baloghy (JB) and Riccardo Pocci (RP)
Aktuelle Werke des toskanischen Künstlers Riccardo Pocci / Current works of the Tuscan artist Riccardo Pocci

Aktuelle Ausstellungen / Actual exhibitions:
26. Aug. – 06. Okt. 2011 Galerie Alex Schlesinger – Tödistrasse 48 – Zürich
05. Okt. – 22. Okt. 2011 Galerie ABC Milano – Via Civerchio 5 – MilanoR. Pocci widerspiegelt seine Landesliebe und Traditionsbewusstsein, J.A.G. Baloghy sammelt und interpretiert seine Impressionen, A. Rinehart begleitet festlich die Künstler mit italienischer Musik aus der 16. Jahrhundert.

JB: Guten Morgen Herr Pocci!

RP: Guten Morgen Herr Baloghy!

JB: Nach Ihrer Kunstausbildung als Maler in Florenz und als Architekturdesigner in Pisa, scheint aus meiner Sicht, dass Sie sich deutlich zwischen der konventionellen Malerei und grafischen Kunst, mit moderner Kunstsprache und Technik ohne den Einfluss von Masaccio (1401-1428) aus der italienischen Frührenaissance zu verlieren, positionieren. Die klare Anordnung der Ebenen verrät das. Sie bringen aber vieles Neues dazu. Können Sie das bitte beschreiben?

RP: Natürlich! Ich bin in der Toskana aufgewachsen und habe bis zum Alter von 23 Jahren studiert. Ich hatte das Glück und das Privileg, die besondere Landschaft und den Respekt gegenüber der Natur, die diese Region seit Jahrhunderten prägt, absorbieren zu können. Ebenso die wesentliche Sensitivität für Masaccio (ein Künstler, den ich für einen „Giganten“ halte), wie auch die Sinopien von Pisa, den Boden der Kathedrale von Siena, die Reit-Denkmäler von Simone Martini und Paolo Uccello. Ganz allgemein war und ist die Frührenaissance ein wichtiger Bezugspunkt in meiner visuelle Bildung und das widerspiegelt sich mit Ausdruckskraft in meiner Arbeit. Ein weiterer Faktor in meiner Ästhetik ist die Untersuchung der Themen nach den Prinzipien der Gestalt-Schule für Psychologie und Wahrnehmung. Darüber hinaus das Konzept der “Kontextualisierung” von renommierten Autoren wie Batheson, Panofsky, Gombrich, Yates war entscheidend für mich um meine Forschung in der zeitgenössischen Ästhetik einzuleiten. Ich versuche, diese theoretischen Hintergrund mit der Technik der Vergangenheit und der Technologie der Gegenwart in Einklang zu bringen.

JB: Die ausgeprägten Kontraste, zwischen den organischen und starren Formen in verschiedenen Ebenen, zwischen Licht und Schatten, und nicht zuletzt durch die verwendeten Träger Ihrer Werke, beeindrucken mich sehr. Ich wage auch eine partielle Assoziation Ihrer Werke mit den Kunststilen wie Pop Art und Op-Art in den 1950er und 1960er Jahren. Wie sehen Sie diesen Aspekt der Ausstrahlung Ihrer Werke?

RP: Es gibt in meiner Arbeit ein Bezug auf die Pop-Art und Op Art, vor allem in der technischen Umsetzung. Diese beiden künstlerischen Bewegungen haben Sprachen in der Funktion der Reproduzierbarkeit entwickelt, mit der Technologie ihrer Zeit. Es ist ausreichend, um an die Siebdruck Experimente von Andy Warol auf Bitmap Gitter, oder die optischen Werke von Riley und Vasarely Basis zu denken. Pop-Art und Op Art sind verbunden mit meiner Wahrnehmungsforschung während meiner Produktion durch den Einsatz der “Maschine”, die am besten und geeignetsten die visuelle Anregung organisiert. Dieser Aufwand wurde vom Pop Art zur Anonymisierung der Emotionen, als kritischer Geste gegenüber der grassierenden Konsumgesellschaft nach dem Krieg, eingesetzt. Die Op Art suchte, durch die offenen Wege des Bauhauses und De Stijl, nach den filmischen Reizen. Ich benutze die “Maschine” für die Verarbeitung der visuellen Reize auf organische Materialien, um dadurch diese gemeinsam zu verbessern, zu kommunizieren, was sie allein nicht schaffen würden. Der Entstehungsprozess ist persönlich, subjektiv und spielt sie auf der Suche nach Balance, während das Ergebnis nie vorhersehbar ist.

JB: Die angewandten Techniken der „Fotografik“ wie Inhaltstransfer und bemalen mit Gouache, erfordert eine minutiöse Bearbeitung, insbesondere wenn Sie Ihre Werke als moderne Diptychen, Triptychen oder „N-ychen“ (Lattenroste) konzipieren. Verwenden Sie auch mechanische Transfertechniken?

RP: Die Realisierung der manuellen Arbeit kommt nach der Projekt-Dokumentation, wo die Beziehung zu den Zeitgenössischen im Mittelpunkt der Forschung steht. Die Übertragung der Zeichnungen in den zyklischen Stationen (bis 2006) war komplett manuell. Heute helfe ich mir mit der Verwendung eines Projektors um die Zeichnung zu übertragen, die jedoch manuell erstellt wurde. Es wäre zu schwierig, um Proportionen in der Zeichnung manuell auf Paletten zu berücksichtigen. Ich verwende keine Druck-Techniken und neige nicht zur Bildbearbeitung, sei es den ich möchte die Bilder drucken, was aber selten vorkommt.

JB: Herr Pocci, glauben Sie, dass Sie in Zukunft ohne Inhaltsverlust Ihre gewählte Themen noch weiter abstrahieren werden, oder in welche Richtung tendieren Sie aus heutiger Sicht?

RP: Die abstrakte Kunst entwickelt eine autarke Sprache, die einen Prozess der Decodierung beim Betrachter auslöst, um diesen genießen zu können. Ich arbeite mit einer Sprache, die die ferne Vergangenheit in zeitgemäßer Form aufruft und in Erinnerung bringt. Seit 2007 begann ich meine Untersuchungen über die Stadt und die Natur: das Konstrukt des Menschen und des Umfeldes, in dem er tätig ist. Vor dieser gab es noch andere Themen, die ich als besser geeignet im Kontext und Zeit in dem arbeitete, fand. Reisen, Kulturen und unterschiedlichen Umgebungen zu entdecken, haben die Macht über mich, wie über allen Künstlern, zu wirken. Kennend meinen wandernden Geist und meine Neugierde, kann ich keinen Bereich der Untersuchung in der Zukunft ausschließen.
JB: Vielen Dank. Herr Pocci ich wünsche Ihnen viel Erfolg in der laufenden Ausstellung in Zürich und in der nächsten Ausstellung in Mailand. Auf Wiedersehen in der Toskana oder bei uns in Regensburg.

RP: Vielen Dank Hr. Baloghy. Wir werden uns wahrscheinlich in Regensburg treffen. Wenn ich mich richtig erinnere, ist es auf dem Weg nach Prag, wohin ich sehr bald fahren werde. Danke für Artis Diversis!

JB: Good morning Mr. Pocci!

RP: Good morning Mr. Baloghy!

JB: After your art graduation as a painter in Florence and as an architectural designer in Pisa, it seems in my view, that you are clear positioned with your modern art language and technology between the conventional painting and graphic art, without to lose the influence of Masaccio (1401-1428) from the Italian early Renaissance. The clear arrangement of the layers reveals this. But you bring much more new. Can you describe that please?

RP: Certainly! I grew up and studied in Tuscany until the age of 23 years. I was fortunate and privileged to absorb the particular landscape and the respect towards the nature that characterized this region for centuries. As well as the essential sensitivity of Masaccio (artist who I consider a “giant”) but also the sinopias of Pisa, the floor of the Cathedral of Siena, the equestrian monuments of Simone Martini and Paolo Uccello. More generally the early Renaissance was and still is an important reference in my visual education and It returns with expressive force in my work. Another factor of my aesthetic is based on the study of Gestalt school and the psychology of perception. In addition, the concept of “contextualization” provided by renowned authors as Batheson, Panofsky, Gombrich, Yates was decisive for me to enter my research in the contemporary aesthetic. I try to reconcile this theoretical background with the technique of the past and the present technology.

JB: The pronounced contrasts between the organic and rigid forms at different layers, between light and shadow and not least impressed by the used pillars of your works, make me really happy. I dare say that a partial association of your works with the artistic styles such as Pop Art and Op-Art in the 1950s and 1960s persist.

How do you view this aspect of the appearance of your artworks?

RP: There are in my work references at Pop Art and Op Art, especially in the technical implementation. These two artistic movements have developed languages in function to the reproducibility by using the technology of their time. It’s sufficient to think at the serigraph experiments of Andy Warol based on Bitmap grids, or the optical works of Riley and Vasarely. Pop Art and Op Art are linked to the perceptual research of my production through the use of the “machine”, which organizes the most appropriate visual stimulus. This effort was aimed by Pop Art to anonymous the emotions as a critical gesture towards the rampant consumer society after the war. The Op Art was seeking, through the open road by the Bauhaus and De Stijl, cinematic stimulations. I use the “machine” processing the visual stimuli in the service of organic material so that together enhance, to communicate; they cannot do without each other. The creation process is personal, subjective, it plays on the search for balance and the result is never predictable.

JB: The techniques used in the “Photo Graphics” as content transfer and painted with gouache, requires a tedious process, especially if you design your modern works as diptychs, triptychs, or “N-ychs” (slats).

 Are you also use mechanical transfer techniques?

RP: The realisation of manual work comes after the documentation project, where the context and the contemporary are the focus of research. To transfer the draw in the cycle of stations (up to 2006) was completely manual. Today I’m using a projector to help me in the draw, which is still done manually. It would be too difficult to respect proportions drawing manually on pallets. I Don’t use print techniques and I tend not to post produce photo unless I decide to print out the picture, which happens very rarely.

JB: Mr. Pocci, do you think, that you will more abstract the subjects in the future, without losing your content of the selected topics, or in which direction you tend today?
RP: Abstract art develops a self-sufficient language that requires a process of decoding by the reader to be enjoyed. I’m working with a language that recalls the distant past developed in a contemporary way. Since 2007, I began my investigation about city and nature: the construct of man and the environment in which it operates. Before this there were other issues that I believed more appropriate at the time and context in which I was working. To travel, to discover cultures and different environments have the power to act on me as on all the artists. So, Knowing my wandering mind and my curiosity I can’t exclude any field of investigation in the future.

JB: Thank you. 
Mr. Pocci. I wish you every success in the current exhibition in Zurich and in the next exhibition in Milan.

See you in Tuscany or in Regensburg again.

RP: Thank you Mr. Baloghy. We’ll meet probably in Regensburg. If I remember well It’s on the way to Prague where I’ll go very soon. Thanks to Artis Diversis!

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